Mare d’Arte Festival, la rassegna culturale diretta di Gianluca Orazi e organizzata in collaborazione con Sky Arte, torna a Milano Marittima in occasione delle feste, trasformandosi nell’anteprima invernale dell’edizione 2026. Il 30 novembre, nella rotonda Primo Maggio, verrà inaugurata We Rise by Lifting Others di Marinella Senatore, opera già esposta in contesti di rilievo internazionale, come il Noor Festival di Riyad e Unlimited ad Art Basel, vetrina mondiale dell’arte contemporanea, che rimarrà allestita nella Città Giardino per tutte le festività natalizie. L’inaugurazione sarà accompagnata dalla performance canora di Sara Bertolucci, tra arie d’opera e performance teatrali. Le esibizioni d Bertolucci sono in programma anche il 6,7, 26 dicembre e 5 gennaio 2026.

L’opera propone una nuova riflessione sull’idea di comunità, vicinanza e relazione. Al suo interno contiene diverse citazioni, come “We Rise By Lifting Others” (attribuita all’avvocato e oratore americano Robert G. Ingersoll) e “I Contain Multitudes” (tratta da Song of Myself di Walt Whitman) che vogliono lanciare il messaggio di superare le divisioni sociali, ribadendo l’impegno dell’artista nel creare connessioni tra le comunità attraverso l’arte.
Senatore, considerata una delle artiste italiane contemporanee più note al mondo, ha realizzato dipinti, collage, installazioni, video, fotografie e performance intorno a tematiche sociali e questioni urbane, come l’emancipazione e l’uguaglianza, i sistemi di aggregazione e le condizioni dei lavoratori. Gli appuntamenti culturali proseguono il 14 dicembre, alle ore 18, sempre alla Rotonda Primo Maggio, dove è in programma una tappa del tour di Dardust, “Urban Impressionism Tour”. Il famoso pianista, produttore e compositore tra i più influenti e premiati, porterà nella Città Giardino il suo stile personalissimo e innovativo, ridisegnando i confini di classico e contemporaneo. 

Il 13 dicembre invece verranno inaugurate le “Tavole Ottometriche Poetiche” dedicate a Dante, firmate dall’artista Alessandro D’Aquila. Saranno visibili fino al 6 gennaio 2026 all’Umami Café di viale Gramsci.

«Siamo entusiasti di annunciare l’anteprima di Mare d’arte che per Natale diventa un eccezionale percorso di arte contemporanea, che unisce le straordinarie opere di Marinella Senatore e Valerio Berruti installata al molo la scorsa estate. “We Rise by Lifting Others” di Marinella Senatore, insieme alla suggestiva “Sirena” di Berruti, invita i visitatori a immergersi in un’esperienza unica, dove la luce (entrambe le opere sono illuminate) diventa il filo conduttore di un dialogo visivo e emozionale –  commenta l’assessora alla Cultura Federica Bosi -. Questa iniziativa rappresenta non solo un arricchimento culturale per la nostra comunità, ma anche un’opportunità per riflettere sui temi dell’unione e della solidarietà, elementi chiave del messaggio degli artisti».

La grande volta e le pareti affrescate di oro e blu, le rappresentazioni di tre episodi della bibbia lungo la navata e le personificazioni delle sette virtù e i setti vizi lungo lo zoccolo: la Cappella degli Scrovegni, affrescata da Giotto tra il 1303 e il 1305 su commissione di Enrico Scrovegni, arriva a Castel Bolognese in una fedelissima riproduzione fotografica in scala 1:4.

L’installazione sarà visitabile da mercoledì 12 novembre, negli spazi della chiesa di San Francesco, in via Emilia Interna 70. Dotata di una complessa struttura che comprende anche la volta, la mostra consente di ammirare le scene fin nei minimi particolari, allo scopo di apprezzare poi quelle originali, visibili a grande distanza e in un tempo assai ridotto (la visita ha una durata complessiva di circa 15 minuti).

«È davvero emozionante osservare la riproduzione delle scene, riportate all’antico splendore dopo i restauri del 2002, soffermarsi ad ammirare il Giudizio Universale, poi alzare gli occhi e vedere la volta stellata con i medaglioni del Cristo, della Vergine e dei profeti, e vedere con quale fedeltà sono state riprodotte le mura perimetrali con le lesene, gli archetti e le sei monofore della parete meridionale» raccontano gli organizzatori.

L’allestimento è promosso dalla Libreria Itaca, in collaborazione con la Parrocchia di San Petronio e il patrocinio del Comune di Castel Bolognese e ha collezionato oltre 150 allestimenti con più di un milione di visitatori. Fra il 2017 e il 2018, nell’ambito del progetto “Giotto fa scuola”, si è inserita in una circuitazione di alternanza scuola-lavoro che ha coinvolto e reso protagonisti tanti ragazzi delle scuole superiori. A Castel Bolognese, saranno gli studenti delle seconde classi della Scuola Secondaria di I grado “G. Pascoli” a fare da ciceroni nelle visite guidate per la propria scuola, oltre che per le scolaresche di quarta e quinta delle Scuole Primarie castellane.

Gli appuntamenti aperti alla cittadinanza nell’ambito dell’evento di Castel Bolognese partono mercoledì 12 novembre (ore 20.45) con la presentazione e inaugurazione della mostra, alla presenza del sindaco Della Godenza, dell’arciprete Don Marco Bassi, di Eugenio Dal Pane, Fondatore di Itaca e Silvana Capanni Docente, esperta d’arte, presidente Università per Adulti di Lugo. Venerdì 21, sempre alle 20.45, al Salone Libreria Itaca (via dell’Industria 249) verrà presentato il libro Storia di Gesù. Un dono sceso dal cielo. Domenica 23 alle 18.30 è in programma alla Chisa di San Francesco il Concerto delle bande del Senio, in onore di Santa Cecilia.

L’esposizione è visitabile fino al 26 novembre, dalle 10 alle 12.30 nei giorni feriali e dalle 10 alle 12.30 e dalle 16 alle 19 nei prefestivi e festivi. L’ingresso e le visite guidate sono gratuiti.

Torna a Faenza, dal 12 al 16 novembre, il Noam Film Festival con una terza edizione che conferma la sua vocazione di respiro internazionale portando in città ospiti nazionali, internazionali, masterclass e circa 40 film in rassegna.

Tra le novità più attese, l’anteprima sulla distribuzione nazionale di The Smashing Machine di Benny Safdie, pellicola acclamata alla Mostra del Cinema di Venezia con protagonista Dwayne Johnson (The Rock). È la vera storia di un ex wrestler (proprio come Johnson), che fu tra i primi combattenti delle arti marziali miste alla fine degli anni Novanta. L’interpretazione di Johnson in The Smashing Machine è stata la sorpresa di Venezia 2025, dove ha trionfato per la Miglior Regia, e con ogni probabilità il film sarà in lizza per i prossimi Oscar. La pellicola uscirà nelle sale italiane solo dal 19 novembre 2025.
Un’altra opera molto attesa è Atropia, diretta da Hailey Gates, attrice e regista statunitense nota per film come Uncut Gems e il reboot di Twin Peaks. Si tratta del primo lungometraggio di Gates, e vede la partecipazione di attori e attrici molto celebri, come Callum Turner, Chloë Sevigny e Alia Shawkat, tra gli altri. La pellicola vanta anche la produzione di Luca Guadagnino. Atropia è stato selezionato al Sundance Film Festival, dove ha vinto il Gran Premio della Giuria nella categoria dedicata ai lungometraggi drammatici statunitensi. Tra i film in concorso spicca anche Rebuilding, del regista statunitense Max Walker-Silverman, la pellicola drammatica messicana, El diablo fuma (Ernesto Martínez Bucio) che ha vinto il premio per la miglior opera prima alla Berlinale 2025 e Anna Kiri, film canadese diretto dal giovane regista Francis Bordeleau.

Come ogni anno il festival si divide in diverse sezioni, come Noam Lab & Youth (sezioni competitive di cortometraggi), Noam Extra (Fuori Concorso) e Noam Classic. All’interno di quest’ultima rassegna verrà omaggiato, come film di apertura (12 novembre), Robert Redford, uno dei più grandi attori della storia del cinema, recentemente scomparso – con la proiezione del celebre Butch Cassidy and the Sundance Kid. La chiusura vedrà invece l’omaggio a David Lynch,  con la proiezione del capolavoro Mulholland Drive.

Il premio alla carriera del Noam invece sarà assegnato alla regista newyorkese Eliza Hittman, che sarà in città durante la manifestazione anche per introdurre la retrospettiva a lei dedicata. Prima della cerimonia di premiazione Hittman terrà una masterclass pensata ad hoc per l’occasione. Infine, il Noam Faenza Film Festival ospiterà anche due giurie distinte per la premiazione dei film in concorso: quella relativa ai lungometraggi sarà presieduta dal giornalista e documentarista Casey Kauffman, affiancato da due faentini d’eccezione: l’attrice Benedetta Cimatti e il regista Andrea Tagliaferri. La giuria dei cortometraggi, invece, sarà composta dal regista Vito Palmieri, dall’attrice Cecilia Bertozzi e dall’esperta di cinema Joana Fresu de Azevedo.
Infine, tra gli ospiti che prenderanno parte ai numerosi eventi in programma ci sono il giornalista sportivo Federico Buffa, il regista e content creator Mauro Zingarelli ed Emanuele Mengotti, regista e autore della mostra di polaroid Western Simulacrum, che sarà allestita nei giorni del festival presso la Galleria Comunale della Molinella – nello spazio Meet Noam. Sabato 15 novembre sarà presente a Faenza anche il nuovo Ambasciatore del Messico in Italia, Genaro Lozano. Il programma completo delle proiezioni, degli incontri e delle masterclass è consultabile online.

«La terza edizione del nostro Festival completa un ciclo che ha cercato di portare a Faenza un evento giovane e innovativo, capace da un lato di legare le realtà attive in ambito cinematografico del territorio, e dall’altro di presentare al pubblico eventi e proiezioni di livello nazionale e internazionale – commenta Andrea Valmori, direttore artistico del Noam -. Ci terrei a porre l’attenzione sugli eventi serali proposti quest’anno perché le collaborazioni con la Cineteca di Bologna, I Wonder Pictures, Lucky Red e Minerva Pictures portano all’evento moltissimo e completano l’attività di selezione fatta in giro per il mondo lavorando con produzioni e distribuzioni internazionali (più di 100 i titoli tra cui siamo stati chiamati a scegliere). Siamo stati presenti a Berlino, Cannes, Tribeca (New York) e Venezia e la ricerca e la cura nella selezione dei prodotti che presentiamo quest’anno ha portato alla sua piena maturazione le traiettorie tratteggiate nelle due edizioni precedenti».

La Trilogia d’autunno del Ravenna Festival (in programma dal 12 al 16 novembre, ne parliamo qui) è, ormai, uno degli appuntamenti più amati e seguiti dal pubblico ravennate che frequenta il teatro Alighieri. Questa breve rassegna offre, infatti, agli amanti della musica l’opportunità di godere di titoli operistici anche al di fuori della consueta stagione invernale, costituendo, così, un gustoso antipasto sonoro.
Da qualche anno è l’Accademia Bizantina a essere protagonista di queste rappresentazioni novembrine il cui direttore, il maestro Ottavio Dantone, ha gettato uno sguardo interessante sulla proposta della rassegna.

La Trilogia di quest’anno è tutta incentrata su Händel, un gigante su cui si sa già molto, quindi partiamo da qualcosa di curioso: cosa c’è di innovativo nel teatro händeliano, in particolare in queste opere?
«L’innovazione è vibrante soprattutto nella scrittura. Tra i tre titoli proposti, l’opera decisamente più innovativa è senz’altro l’Orlando, una delle più curiose produzioni di Händel, insieme al Serse. Nell’Orlando Händel adotta una struttura drammaturgica molto più snella: poche sono le arie col da capo, molti gli accompagnati, i recitativi secchi sono stringati. E poi la durata complessiva dell’opera: circa due ore e mezza, quando normalmente nel Settecento si superavano le tre, quattro, anche cinque ore. Questo snellimento anticipa, oserei dire, la riforma operistica di trent’anni dopo. Non è ancora quella riforma, ma è un’idea più moderna dell’opera».

Come reagì il pubblico dell’epoca a questo cambiamento?
«Sebbene l’opera fosse lodata dalla critica, non piacque al pubblico. Piacque al re e agli intenditori, ma, tra gli altri, non al protagonista, il celebre Senesino, che aveva solo tre arie col da capo. C’è poi da dire che la follia di Orlando risultava grottesca, persino comica e Senesino percepì ridicolizzato il suo personaggio. Ciò portò alla rottura con Händel e fece sì che il cantante passasse alla compagnia concorrente, della nobiltà teatrale, capeggiata da Porpora e Farinelli. Questa defezione mise Händel in difficoltà e lo obbligò, di fatto, a dedicarsi all’oratorio, creando una forma peculiarmente inglese, che gli permise di reinventarsi».

Quindi l’innovazione händeliana si vede soprattutto nell’Orlando?
«Sì, è un capolavoro assoluto, anche se il pubblico dell’epoca non ne comprese la portata. Alcuni lo considerano tra le opere più riuscite di Händel, insieme al Serse. Io personalmente ritengo Orlando e Serse le più interessanti, per il coraggio con cui affrontano libretti non convenzionali, e per la libertà con cui Händel sperimenta nuove soluzioni drammaturgiche e musicali».

E Alcina dove si colloca in tutto ciò?
«Alcina, che segue l’Orlando, torna a una struttura più tradizionale, con alternanza tra recitativi secchi e arie col da capo. È basata sugli eroi della Gerusalemme liberata e, pur mantenendo alcuni accompagnati, ha una struttura più familiare al pubblico. Il libretto, poi, si prestava a macchine sceniche ed effetti speciali, all’epoca molto apprezzati. Fu un grande successo, anche perché combinava una narrazione avvincente con una scrittura musicale più vicina ai gusti dell’epoca».

Si diceva degli oratori, come si colloca il Messiah rispetto agli altri?
«Il Messiah è diverso: tratta della nascita di Cristo e ha una scrittura più severa rispetto agli altri. Non ci sono personaggi che interagiscono, ma c’è una narrazione continua, come se fosse un evangelista, un narratore a raccontare. Gli altri oratori, invece, pur essendo di argomento biblico, presentano personaggi e relazioni drammatiche: Händel, trovandosi in difficoltà per la concorrenza teatrale, si dedicò all’oratorio in lingua inglese utilizzando, però, uno stile decisamente operistico. Il Messiah però resta fuori da questo schema: è una sequenza incredibile di cori e arie, ma non ha una vera relazione con lo stile operistico».

All’epoca era in voga quella che oggi chiamiamo teoria degli affetti. Si applica anche al Messiah?
«Sì, ma non riguarda l’interazione tra personaggi, bensì è legata alla conoscenza degli stilemi, dei codici retorico-musicali. È una questione di struttura e retorica musicale, materie che Händel padroneggia con grande finezza».

Una curiosità: nel Messiah ci sono molte arie senza viole. È una scelta stilistica?
«Sì, succede spesso anche nelle opere italiane. Gli italiani scrivevano spesso solo una parte di violini all’unisono e le viole, quando tacevano, raddoppiavano il basso. È una scelta voluta, una scrittura meno verticale e più orizzontale, una condotta che Händel riprende e adatta al suo stile».