«Vita e morte in un gioco buffo»

Da lunedì 16 a domenica 22 settembre (ore 21, mercoledì 18 ore 20, venerdì 20 e domenica 22 ore 19) il ridotto del teatro Rasi ospita HereThereWhere, spettacolo ideato, diretto e interpretato da Alessandro Renda delle Albe insieme a Mark Anderson e Isabelle Kralj, fondatori della compagnia statunitense Theatre Gigante. È lo stesso Renda a raccontarci com’è nato questo spettacolo – co-prodotto da Albe/Ravenna Teatro – e di un altro nuovo progetto in arrivo a ottobre.

Alessandro, HereThereWhere ha una genesi le cui origini hanno ormai una decina d’anni. Com’è andata?
«Il lavoro è in effetti l’approdo, un po’ strano, di un progetto che viene da lontano. Ho conosciuto Theatre Gigante nel 2014, durante la tournée statunitense di Rumore di acque delle Albe, a New York, nel New Jersey e a Chicago. Proprio a Chicago, grazie all’invito di Thomas Simpson (traduttore in inglese di molti importanti autori italiani, tra i quali Marco Martinelli), Isabelle Kralj e Mark Anderson, co-direttori di Theatre Gigante, assistono allo spettacolo e decidono di ospitarlo a Milwaukee, nel Wisconsin. I due se ne innamorano e mi chiamano per farne una sorta di rielaborazione – che diventa Noise in the Waters – con la collaborazione del compositore e fisarmonicista americano Guy Klucevsek. Da lì è nata una grande amicizia e poi anche la voglia di fare un lavoro insieme. Ragionavamo spesso di questioni politiche, lì c’era Trump che stava avanzando, qui Salvini, volevamo parlare di quanto alcune paure nella società diventano poi una carta da utilizzare per certa politica, e comunque il passaggio dalla paura alla violenza ci sembrava così tanto globalizzato, nelle forme e nei modi, che ci sembrava interessante. Iniziammo allora a lavorare a un’opera che si doveva chiamare In the Belly of the Beast, ed era un lavoro in cui si fondevano vari testi, da Hannah Arendt a Dostoevskij a Proudhon; abbiamo lavorato facendo residenze ovunque, poi, nel 2020, quando doveva debuttare, è arrivata la pandemia, quindi, con i biglietti dell’aereo in mano, il progetto è saltato».
Ma la voglia di collaborare è rimasta.
«Sì, alla fine il tempo passava e abbiamo accantonato quell’idea, poi sono successe varie vicende di vita a ognuno di noi tre, e il tempo trascorso ha modificato le nostre esigenze. Quando ci siamo ritrovati per capire cosa fare ci sentivamo da “un’altra parte”, non che fossero esaurite le questioni politiche che ci animavano, tutt’altro, ma c’era qualcosa di più personale; smarrimento, ansia, ma anche questioni più individuali, profonde, ed è in quel momento che ci siamo imbattuti nella drammaturgia dello sloveno Rok Vilcnik, che scrive molto anche per il cinema e testi di canzoni, che Isabelle e Mark avevano già messo in scena in uno spettacolo dal titolo Tarzan, molto ironico. Rok gli aveva dato anche una serie di testi mai pubblicati e quindi ci siamo trovati dentro questa drammaturgia “aperta” che sembrava il punto di contatto perfetto tra me e loro, anche per le diverse modalità di stare sulla scena. Ne è uscito un paesaggio sospeso tra nonsense e significato profondo che è diventato, due anni fa, il motivo della ripartenza».

Mi descriveresti lo spettacolo?
«La drammaturgia di Vilcnik ci è piaciuta perché è un mondo completamente aperto che inquadra uno smarrimento esistenziale in un modo per noi interessante, per niente retorico, e racconta un po’ quello che è successo anche a noi tre in questi anni. La storia è molto esile e basilare e si rifà a quei modelli di teatro dell’assurdo come Ionesco, Beckett, Karl Valentin: i tre protagonisti hanno ricevuto un enigmatico invito a una festa di cui ignorano giorno, luogo e orario. Non conoscono il mittente o il motivo dell’invito. E poi la grande domanda che si fanno è “da dove dobbiamo partire per andare a questa festa?”.
Queste domande non trovano risposte e i tre iniziano a scervellarsi per capire se il non andare potrebbe offendere qualcuno, ma chi?, iniziano a parlare di presenze divine, di dèi, di un mondo parallelo, un qui e ora o mai, parlano di morte, di cosa è reale o non lo è, arrivano temi esistenziali ma dentro un gioco molto buffo. Da qui il titolo, HereThereWhere, per spiegare questa bussola che si è completamente bloccata, la perdita di una direzione da prendere».
Lo spettacolo ha debuttato negli Stati uniti lo scorso maggio, com’è andata?
«A Milwaukee è andata benissimo, e lì è stato inquadrato chiaramente all’interno di una dinamica di slap-stick comedy. La stampa l’ha definito «un mondo, parallelo a questo, alla fratelli Marx». Il pubblico americano ha riso molto per l’apparente insensatezza della situazione, ma poi in certi passaggi lo spettacolo è anche evocativo e delicato, perché a tratti non si capisce nemmeno se i tre personaggi siano ancora vivi, rimane questa ambiguità del testo. Dunque una situazione sì comica, ma con un velo di malinconia».
In ottobre arriverà poi un altro tuo spettacolo, Nephesh. Proteggere l’ombra.
«Esatto. Abbiamo raccolto l’invito di Azimut a Ravenna Teatro di pensare a uno spettacolo per il cimitero. Sappiamo benissimo quanto il cimitero, indipendentemente dai diversi approcci che ognuno di noi può avere, è il luogo ideale per farsi attraversare da questioni che ci riguardano da vicino e nel profondo, riflessioni esistenziali che tutti possiamo avere, passaggi della vita in cui si attraversano momenti oscuri. Quindi l’idea di partenza era proprio di parlare del senso di vuoto, della paura, del rapporto che abbiamo con il tempo e quindi del tipo di priorità che diamo alle cose che facciamo quotidianamente, un tema, quello del tempo, che avevo già messo molto in discussione in un altro progetto teatrale sul tema del lavoro fatto insieme ai milanesi Zona K. Anche lì si parlava di qualità del tempo che viviamo e di quanto spesso lo sperperiamo facendo cose che non ci piace fare con persone con cui non ci piace stare».
Perché il cimitero?
«Perché è già un teatro. Lo spettacolo è una drammaturgia sonora in cuffia per venti spettatori, al tramonto, ma è teatro, non una guida del cimitero, né un podcast sul tema della morte, è proprio una strana conversazione che avviene tra la figura protagonista – che in qualche modo diventa poi il flusso di pensiero dello spettatore – e un’entità che si chiama Nephesh, parola che esiste in ebraico, in arabo e in tante altre lingue, una parola diamantina, che muta significato a seconda di come la usi: vuol dire soffio, essere vivente, gola, spiriti, tantissime cose. Il testo l’ho scritto con Tahar Lamri, mentre ho lavorato su tutti gli altri aspetti musicali e del suono con Francesco Tedde. È un evento che si vive insieme, un attraversamento del cimitero in cui emergono tante questioni, esistenziali, sì, ma anche legate all’architettura, alle immagini fotografiche.
È uno spettacolo pensato perché possa stare al cimitero di Ravenna così come in quello, che so, di Faenza, Milano o Palermo, non è specifico. È pensato come una carezza, con una sua sacralità. È un lavoro in cui c’è molto di mio, un flusso di coscienza di questioni varie. La cosa particolare – di cui mi sono accorto dopo – è che le questioni sono simili a quelle di HereThereWhere: si parla di ombre, di morte, seppur in termini completamente diversi, come due facce della stessa medaglia».

Ad aprire il cartellone Lodo Guenzi e Sara Putignano, con la loro interpretazione di Molto rumore per nulla di Shakespeare

Il Teatro Goldoni di Bagnacavallo presenta la Stagione 2024/2025, sotto la direzione artistica di Claudio Casadio e Ruggero Sintoni. In cartellone 7 spettacoli (tutti in doppia replica, per un totale di 14 rappresentazioni) accompagnati da 7 incontri con gli artisti. Alla Stagione si affiancano le rassegne di Teatri d’Inverno – sguardi sulla drammaturgia contemporanea (6 spettacoli, di cui 2 in scena al Ridotto) Favole (5 spettacoli dedicati ai più piccoli).

Ad aprire il cartellone principale della stagione, Lodo Guenzi (frontman de Lo stato sociale) e Sara Putignano, per la prima del loro Molto rumore per nulla di Shakespeare, adattato e diretto da Veronica Cruciani. Dopo un’anteprima nell’ambito dell’estate veronese, lo spettacolo inizierà proprio da Bagnacavallo la sua tournée teatrale, sabato 2 e domenica 3 novembre. Ancora Shakespeare, mercoledì 20 e giovedì 21 novembre ma in versione “trasversale” con Alessandro Benvenuti e  il suo Falstaff a Windsor, liberamente adattato da Le allegre comari di Windsor da Ugo Chiti. Martedì 7 e mercoledì 8 gennaio seguirà Racconti disumani, interpretato da Giorgio Pasotti e diretto da Alessandro Gassmann: due straordinari artisti che si misurano con le parole di Kafka per parlare agli uomini degli uomini.

Il malato immaginario di Molière, interpretato da Tindaro Granata, andrà invece in scena mercoledì 29 e giovedì 30 gennaio. Si tratta di una nuova co-produzione di Accademia Perduta la cui regia è affidata a Andrea Chiodi. Sarà poi la volta di Paolo Cevoli (mercoledì 26 e giovedì 27 febbraio) con il nuovo spettacolo Figli di Troia, in cui il celebre comico romagnolo racconta in chiave ironica e contemporanea il mitico viaggio di Enea, paragonandolo ad altri viaggi che hanno segnato la storia dell’umanità.

Martedì 25 e mercoledì 26 marzo ore 2  Enrico Guarneri e Nadia De Luca saranno impegnati nel bellissimo Storia di una capinera, itinerario spirituale e terreno di Giovanni Verga, con la regia di Guglielmo Ferro. La Stagione si chiuderà tra martedì 8 e mercoledì 9 aprile con Fra’. San Francesco la superstar del Medioevo di Giovanni Scifoni: monologo estremamente divertente sulla figura del Santo d’Assisi, orchestrato con laudi medievali e strumenti antichi. Per tutti i protagonisti della Stagione, si confermano gli Incontri con gli Artisti al Ridotto alle ore 18 del secondo giorno della loro permanenza in città. Tutti gli spettacoli andranno invece in scena alle 21.

Il cartellone “più giovane” del Goldoni, Teatri d’Inverno – sguardi sulla drammaturgia contemporanea, sarà quest’anno composto da sei appuntamenti sempre alle ore 21, in scena tra Ridotto e sala principale, tra i quali due “Prime” di riallestimento di produzioni di Accademia Perduta.

Apre il sipario venerdì 8 novembre Barbablù, spettacolo diretto da Giulia Paoletti e interpretato da Edoardo Frullini: un monologo intenso, dai toni forti, sulla violenza di genere e sui labili confini di dipendenza reciproca tra vittime e carnefici. Segue venerdì 22 novembre la giovane formazione Bluestocking con Io che amo solo te, uno spettacolo sulla scoperta di sentimenti inaspettati tra due adolescenti e il coraggio di vivere quelle emozioni, a dispetto della paura di essere scoperti o derisi. Lunedì 2 dicembre un’altra “Prima”: il riallestimento di Autoritratto, il nuovo spettacolo di Davide Enia, co-prodotto da Accademia Perduta con Piccolo Teatro di Milano, CSS Udine e Festival dei Due Mondi di Spoleto che nell’edizione 2024 ne ha ospitato la “Prima assoluta”, con enorme successo di pubblico e critica. Uno spettacolo intimo e collettivo in cui Enia affronta Cosa Nostra attraverso un processo di autoanalisi.

Dissonorata, interpretato da Saverio La Ruina,  sarà in scena venerdì 28 febbraio. Partendo dalla piccola storia di una donna calabrese, lo spettacolo offre lo spunto per una riflessione più ampia sulla condizione della donna. Accademia Perduta presenta poi, mercoledì 5 marzo, una terza nuova produzione con Bianco, spettacolo di Giuseppe Tantillo che ne è anche interprete con Valentina Carli, in cui si racconta l’incontro tra due anime nel momento sbagliato, due anime dentro corpi deboli, due anime che si trovano davanti al dubbio di una vita forse breve. Luigi D’Elia sarà protagonista giovedì 27 marzo di Caravaggio, un testo di Francesco Niccolini, diretto da Enzo Vetrano e Stefano Randisi, in cui si delinea un ritratto a tutto tondo del grande pittore, tra peste, fame, povertà, successo. Il cartellone sarà chiuso, il 5 e 6 aprile, da Ombrelloni, nuovo testo di Iacopo Gardelli, interpretato da Lorenzo Carpinelli, presentato in “Anteprima” al Ridotto e nuova co-produzione di Accademia Perduta e Studio Doiz.

L’avvio della stagione dei “piccoli”, tra Favole e Teatro Scuola, sarà anticipato in occasione della festa di San Michele, con spettacolo Granny e Lupo della compagnia Tcp tanti Cosi Progetti in scena domenica 29 settembre, alle 18. Gli altri spettacoli in cartellone andranno in scena sempre di domenica alle 17, a partire da Alice nel paese delle meraviglie della compagnia Fratelli di taglia (17 novembre). Il 1 dicembre appuntamento con il teatro di figura per Bella, bellissima, la storia di una strega allestita da Accademia Perduta/Romagna Teatri per riflettere sugli standard di bellezza e la percezione di sè. Si prosegue il 15 dicembre con L’acciarino magico di Andersen della compagnia Il baule volante. Si prosegue il 12 gennaio con Carlo Lupo di Drogheria Rebelot, un’occasione per esplorare il teatro d’ombre. Gli appuntamenti di Teatro Scuola saranno invece in doppia replica, (7 spettacoli, 14 rappresentazioni). nLa rassegna sarà inaugurata il 28 e 29 novembre da Lumache del Teatro Città Murata, spettacolo per le Scuole Primarie che, tra avventure e incontri speciali, pone l’attenzione sul valore della lentezza e sull’importanza di riconoscerla come qualità.

Segue, il 12 e 13 dicembre, per i ragazzi e le ragazze delle Scuole Secondarie di I grado, Sono solo parole di Zerocomma ZeroUno: in un segretissimo laboratorio gli agenti speciali D e D raccolgono tutte le parole e ne decidono il destino: “approvata” o “respinta”. Provano, testano, catalogano. Ma un giorno le regole usate fino a quel momento non basteranno più… Sarà poi la volta di un grande classico: L’usignolo e l’Imperatore, una fiaba in musica tratta da Hans Christian Andersen, portata in scena il 21 e 22 gennaio dalla Fondazione Teatro Ragazzi e Giovani Onlus per le Scole Primarie. La giovane compagnia Progetto g.g. presenterà poi, il 13 e 14 febbraio, una nuova produzione di Accademia Perduta: Rosaluna e i lupi, uno spettacolo quasi senza parole che, attraverso i corpi delle attrici e i pupazzi mossi a vista, stimolerà l’immaginario dei piccolissimi esplorando i temi della cura, del coraggio, ma anche della diffidenza e della paura. Il Baule Volante tornerà poi al Teatro Goldoni, il 6 e 7 marzo, con Nico cerca un amico, una riflessione sull’amicizia e sulla diversità tratto da un poetico racconto di Matthias Hoppe destinata ai bambini e alle bambine delle Scuole Materne e Primarie. Briciole di felicità della Fondazione Sipario Toscana, porterà in scena il 20 e 21 marzo uno spettacolo tra teatro di figura e videoproiezioni ispirato a Il venditore di felicità di Davide Cali e Marco Somà. Chiuderà il cartellone, il 3 e 4 aprile, Storia di un no della Compagnia Arione De Falco, spettacolo destinato alle Scole Secondarie di I grado, storia di un incontro, di un primo bacio, di famiglie che non sono come le vorremmo, della necessità di considerare l’altra metà della coppia come essere funzionale a noi e ai nostri bisogni, dell’amore confuso con il possesso.

Tra teatro, musica e cinema, nel padiglione realizzato da Denara con quindici artisti selezionati da Studio Doiz

Fin dalla sua prima edizione, Manualetto ha avuto l’obiettivo di far scoprire e abitare temporaneamente, grazie all’architettura e alla cultura, spazi abbandonati o dimenticati della città. Le prime due stagioni del festival, curato da Denara e Studio Doiz, giovani associazioni ravennati under 35, si concentravano sulle banchine del lato sinistro della Darsena, disseminate di vecchie fabbriche abbandonate.

Quest’anno Manualetto si sposta nel cuore simbolico della Darsena, nella sede della Compagnia Portuale (grazie alla fattiva collaborazione del direttore Denis Di Martino), all’angolo fra via Antico Squero e via Teodorico, dove Denara (gruppo d’architetti formato da Nicolò Calandrini, Francesco Rambelli, Mirko Boresi e Federico Lucchi) realizzerà un padiglione a forma di ponte che per due fine settimana sarà abitato da più di quindici artisti, selezionati fra le proposte più fresche e originali in Italia da Studio Doiz.

«Come nelle passate edizioni, anche quest’anno abbiamo deciso di dare la precedenza a giovani artisti, quasi tutti under 35 e spesso per la prima volta a Ravenna, senza rinunciare a un’alta qualità dell’offerta culturale. Abbiamo selezionato i lavori più innovativi sia dal punto di vista formale che contenutistico», spiegano i direttori artistici Lorenzo Carpinelli e Iacopo Gardelli, fondatori di Studio Doiz assieme a Lorenzo Basurto e Giacomo Bertoni. «In particolare, abbiamo deciso di valorizzare opere in grado di ridefinire i rapporti fra linguaggi diversi, che ibridassero stili e immaginari. Il teatro si mescola al concerto, la musica diventa parte integrante del testo, in spettacoli che colpiscono per originalità e profondità. Artisti come Alice e Davide Sinigaglia, Leo Fulcro e Matteo Sintucci mostrano come il teatro possa adattarsi ai tempi, affrontando questioni cruciali per la nostra società».

«Dall’altro lato, l’offerta musicale, imprescindibile per noi fin dalla prima edizione del festival, è quest’anno ricchissima e tocca tanti generi: indie, rap, funk, elettronica. In particolare siamo molto contenti di portare, per la prima volta in Italia, Montee, compositore di musica elettronica da Colonia, una delle giovani promesse della scena europea. Infine, siamo onorati del ritorno a Manualetto di Alessandro Gori, aka Lo Sgargabonzi, quest’anno protagonista di un inedito incontro assieme alla gloria locale Eraldo Baldini».

Pizza, fritti e dolci saranno a cura di Orto Gourmand. In caso di pioggia gli eventi saranno cancellati.

IL PROGRAMMA 

PRIMO WEEKEND
✦ venerdì 20 settembre
ore 19.30 – Inaugurazione dell’edizione 2024
ore 20 – Portuali Magical Mystery Show (evento a cura della Compagna Portuale di Ravenna)
ore 21 – Leo Fulcro – Boy on Earth (teatro/concerto)
ore 22.30 – LEI (live set)

✦ sabato 21 settembre
ore 19.30 – live set a cura di New Ira
ore 21 – Alice e Davide Sinigaglia – Concerto fetido su quattro zampe (teatro/concerto)
ore 22.30 – Cupido Club (live set)

✦ domenica 22 settembre
ore 18.30 – Manualetto, perché? – Talk con DENARA, Studio Doiz, sponsor e cittadinanza
ore 21 – Matteo Sintucci – r/Place. Uno screenshot dell’umanità (teatro)
ore 22.30 – Sesso sfortunato o follie porno (Romania/2021) di Radu Jude (106′) – a cura di Filippo Perri – V.M. 18

SECONDO WEEKEND
✦ venerdì 27 settembre
ore 19.30 – live set a cura di Colmipedro
ore 21 – Studio Doiz – La spiaggia più lunga del mondo (teatro)
ore 22.30 – Gobbi (concerto)
ore 23.30 – Radio Ultima Spiaggia (live set)

✦ sabato 28 settembre
ore 19.30 – live set a cura di New Ira
ore 21 – Ananhash (concerto)
ore 22.30 – Montee (live set from Colonia/GER) – Prima nazionale
ore 23.30 – Karaoke

✦ domenica 29 settembre
ore 19.30 – Massimiliano Venturi – Burattini all’improvviso (teatro di figura)
ore 21 – Confessioni di una bicicletta blu a un leprecauno rurale. Incontro fra Eraldo Baldini e Alessandro Gori (talk)
ore 22.30 – Hausu (Giappone/1977) di Nobuhiko Obayashi (88′) – a cura di Filippo Perri

Fino al 14 settembre vari luoghi di Ravenna ospiteranno le coreografie di quindici autori provenienti da tutta Italia

Da giovedì 12 a sabato 14 settembre la XXVI edizione del festival Ammutinamenti propone come ogni anno la Vetrina della giovane danza d’autore, piattaforma nazionale di emersione della nuova generazione di artisti nell’ambito della danza contemporanea e di ricerca italiana che vede protagoniste le creazioni di 15 autori selezionati tramite call nazionale dai partner del Network Anticorpi XL. 

Giovedì 12 settembre la rassegna si apre con cinque lavori, a partire (ore 16.30, Almagià) da Gossip body della coreografa e danzatrice Ottavia Catenacci, creazione che nasce dal desiderio di esplorare la narrazione attingendo alle relazioni umane come materiale di composizione. Daughters (Fondazione Sabe per l’Arte, ore 17.30 e in replica 18 e 18.30), di Teodora Grano, indaga invece il rapporto tra scrittura e danza, partendo dal racconto di un legame familiare situato fuori dalla biologia. Il tutto impreziosito dalle musiche di Massimo Pupillo. Il palcoscenico del teatro Rasi ospita invece in serata (dalle ore 20.45) tre spettacoli: I have seen that face before è il titolo della coreografia di Giovanni Insaudo (danzata da Sandra Salietti Aguilera e Hélias Dorvault), un’analisi delle possibilità fisiche e cinematografiche contenute nei secondi tra il termine di una performance e gli applausi. A seguire, Roberta Maimone firma Wonder, Love, performance che esplora il regno dell’amore impossibile, danzata da Federica Lovato, mentre la prima giornata della Vetrina si chiude con AGiTA – Il corpo elettrico di Mariagiulia Serantoni, spettacolo di danza, voce e suono che affronta il concetto di “agire”, osservando cosa spinge un corpo femminile a mettersi in moto.

 Sette sono poi i lavori di venerdì 13 settembre, a partire da HÀ-BI-TUS (ore 16.30, Mar), coreografia di Alessandra Ruggeri (con le danzatrici Anya Pozza e Kyda Pozza) che si addentra nel tema dell’identità, ponendosi domande fondamentali su cosa costituisce veramente il nostro essere, cui segue (ore 17.30) Superfici discontinue di Antonio Cataldo, attraverso il quale il coreografo indaga il ruolo pratico ed emozionale che gli aggeggi e rituali protettivi esercitano in relazione a quelli nocivi o pericolosi. La performance si sviluppa da un approccio ribaltato ai dispositivi utilizzati dal performer, il quale maneggia ginocchiere, gomitiere, guanti chirurgici sterili e chiodi come oggetti sconosciuti. Alle 18.30 in piazza Kennedy ecco quindi Swan, di Gaetano Palermo, prodotta da La Biennale di Venezia, una performance (con Rita Di Leo) per spazi pubblici che si ispira all’assolo La morte del cigno che Michel Fokine coreografò per Anna Pavlova nel 1901. In serata (ore 20.45, Rasi)  è sul palco Klore, lavoro nato dall’esigenza di Mariangela Di Santo (in scena con Giacomo Graziosi e Carmine Dipace) di sottrarre la tradizione dalle proprie radici e farla rifiorire nella contemporaneità. Punto di partenza è la tarantella lucana, sottile incantesimo mimico del corteggiamento amoroso. A seguire, Michael Incarbone, regista e coreografo, guida Erica Bravini in Fallen Angels, una sospensione ipercinetica, tra alto e basso, ascesa e rovina. Spintə (Quasi caduta), ideato da Claudio Larena e con Elena Bastogi e Giulia Cannas, è invece una performance che nasce da un’indagine sull’ambiguità del gesto della spinta (sull’altalena) in termini relazionali, individuali e fisici. La lunga giornata si chiude, sempre al Rasi, con Amelia del Collettivo Macula, un elogio alla fragilità, un invito a immergersi nella dimensione del ricordo e a lasciarsi attraversare dal senso di vuoto che deriva dalla sua perdita. 

Sabato 14 settembre, terza e ultima giornata della Vetrina, prende avvio con due performance (dalle ore 17.30, Rasi). KAMA, lavoro di Gianni Notarnicola, è un gioco, che ruota attorno alle maniere, i modi, gli stereotipi, come parlare, muoversi e atteggiarsi. A seguire, il lavoro di Eliana Stragapede, che con AMAE si interroga sul bisogno di co-dipendenza nelle relazioni umane indagando il desiderio di essere amati passivamente, cercando l’indulgenza dell’altro. La Vetrina si conclude (ore 21.30, Almagià) con il lavoro di Simone Lorenzo Benini dal titolo (e poi entrarono i cinghiali), un vero e proprio urlo, liberatorio ed eccessivo che dalle profondità del polmone corre lungo la trachea, invade le corde vocali e muta.