Lunedì 29 giugno il direttore Vittorio Ghielmi
propone tre “Stabat Mater“ a confronto

Lunedì 29 giugno (ore 21) la Basilica di San Vitale sarà riempita dalle emozionanti note dello spettacolo Figlia del tuo Figlio, concerto dedicato agli “estremi” stilistici nell’interpretazione dello Stabat Mater. Mai Jacopone da Todi avrebbe immaginato quante volte e in quante forme, dal secolo XIII a oggi, sarebbe stato musicato il suo testo, e quanto avrebbe viaggiato in lungo e in largo: dalle piccole chiese di paese alle grandi sale da concerto, intonato dai più celebri compositori come da anonimi musicisti di tradizione orale.

Ad offrire un saggio dell’incredibile varietà di rielaborazioni di questa sequenza liturgica sarà il direttore Vittorio Ghielmi, che si esibirà sotto gli affreschi dorati insieme al suo ensemble Il Suonar Parlante e alle voci di solisti di talento, quali il soprano Graciela Gibelli, il contralto Margot Oitzinger e il tenore Thomas Walker. A questi fanno da contraltare le inconfondibili sonorità sarde del quartetto vocale del Concordu de Orosei, uno dei più apprezzati dell’isola (Giorgio Masala, voche, Paolo Burrai, mesuvoche, Martino Corimbi, cronta, Franco Sannai, bassu).
Il percorso musicale scelto dal direttore Ghielmi passa dalla tradizione musicale sarda allo Stabat Mater che Josquin Desprez musicò nel 1480, fino a quello che il celebre compositore estone Arvo Pärt (80 anni a settembre) scrisse nel 1985. Dunque, da una parte l’intonazione polifonica di tradizione orale, tramandata nei secoli, di generazione in generazione, nel mondo popolare delle confraternite sarde ancora oggi attive; dall’altra l’elaborazione “colta” dell’antica sequenza, frutto di raffinate tecniche compositive e della evoluzione stilistica che ne ha segnato la storia musicale. Una storia ricca e lunghissima, perché il celebre testo dello Stabat Mater, che ritrae la Madre sofferente ai piedi del Figlio in croce, utilizzato nell’ufficio liturgico del venerdì di passione, è stato posto in musica in innumerevoli versioni dai compositori di tutte le epoche: da Palestrina a Vivaldi, da Haydn a Rossini, fino a Liszt e Dvorak e Poulenc.

Lo Stabat di Josquin Desprez è certamente uno dei più significativi e importanti, non solo per le trentacinque fonti che lo tramandano nella versione primitiva (a cui vanno aggiunti gli arrangiamenti per organo o liuto), ma anche per la particolarità dell’intonazione polifonica: l’autore, infatti, non usa come cantus firmus (“base” e fondamento dell’architettura musicale nella polifonia fiamminga del Quattrocento) la melodia gregoriana dello Stabat Mater, bensì quella di una chanson del suo celebre contemporaneo Gilles Binchois, Comme femme desconfortée, che, pur cantando della fine di un amore profano, per il tono del testo era stata spesso associata alla figura della Vergine addolorata.
Tutto ripiegato sul proprio personalissimo linguaggio è invece lo Stabat di Arvo Pärt, nel segno di quell’inimitabile stile “tintinnabuli”, in cui egli solo sa trasfigurare l’influenza della musica liturgica ortodossa. Il compositore estone mostra una particolare attenzione per l’incedere ritmico del testo poetico e per la profonda spiritualità che esso esprime, che lo porta a coniugare nuovi orizzonti acustici e una tradizione musicale millenaria, riuscendo a fondere il rigore compositivo con la più profonda espressione del dolore.

Il festival continua l’8 luglio con i Los Lobos,
che si esibiranno alle 21.30 in piazza Nenni a Faenza

Tra i più importanti cantautori italiani, il siciliano Cesare Basile aprirà la rassegna “Strade Blu” con un concerto (a ingresso gratuito) mercoledì 1 luglio al giardino della biblioteca di Alfonsine.
Personaggio scomodo – attivo nell’ambito della battaglia contro la base militare di Niscemi dei No Muos, così come per il Teatro Valle Occupato o contro la Siae (in segno di protesta rifiutò anche un premio Tenco) – Basile sta presentando il suo ultimo album Tu prenditi l’amore che vuoi e non chiederlo più, pubblicato a inizio anno a quasi due anni di distanza dal precedente. Paragonato spesso a Fabrizio De André (ultimamente anche per la scelta di cantare anche in dialetto), Basile con lo storico cantautore genovese ha in comune soprattutto l’attenzione per gli ultimi della società “Io so – si legge nelle note dell’autore al suo ultimo disco – che questa lunga canzone è racconto di pupari, ladri, cantastorie, travestiti innamorati di Cristo e saltimbanchi della barricata. Un’invettiva di cenci intrecciata ai nomi di chi un nome non ce l’ha, non ha appartenenza né ingaggio, prestazione o valore di scambio. Tessuto di esistenze abusive e ferocemente viventi che, a differenza dell’uomo civilizzato, si mescolano a faccende d’impiccati rifiutando il commercio della corda. Canzone d’amore, sottratta a debito e colpa, che non chiede permesso d’esser cantata”.
Mercoledì ad Alfonsine, dalle 21.15, ad aprire la serata il cantautore Salvo Ruolo.
La rassegna prosegue il giorno dopo, giovedì 2, con i padroni di casa (il loro chitarrista e fondatore, Antonio Gramentieri, è anche direttore artistico della rassegna), Sacri Cuori, band romagnola che da anni suona in tutto il mondo e che ha da poco pubblicato il nuovo disco, Delone, album quasi interamente strumentale che si muove tra ambientazioni desertiche e morriconiane, rock, blues e folk, e può contare sull’apporto di ospiti come Evan Lurie dei Lounge Lizards, Marc Ribot, Howe Gelb dei Giant Sand e Steve shelley dei Sonic Youth. L’appuntamento è a Faenza, sempre a ingresso gratuito, in piazza della Molinella.
Strade Blu prosegue la settimana successiva con un pezzo da novanta come i Los Lobos.
Infoline: 320 0374633 o 347 8932009.

La compagnia di nuovo in scena martedì 30 giugno  

Aterballetto sarà di nuovo protagonista del Ravenna Festival, con due spettacoli che rispecchiano al meglio l’abilità della direttrice artistica Cristina Bozzolini nel miscelare la perfezione tecnica del classico con l’innovazione del contemporaneo. Martedì 30 giugno alle 21.30, questa volta al Pala de André, la compagnia proporrà i lavori di due nuovi coreografi: l’italiano Giuseppe Spota, già danzatore di Aterballetto, che firma Lego, e il greco Andonis Foniadakis, con l’inedito Antitesi.
L’intenzione di Cristina Bozzolini è condurre Aterballetto verso nuove realtà e sperimentazioni: “I miei sforzi sono tutti rivolti al mio più grande sogno: portare avanti la bellezza, non fine a se stessa però. Il corpo deve essere bello, ma abile e intelligente. Non si può prescindere dalle due cose. La volontà è quella di andare verso un balletto contemporaneo, pur senza stravolgere l’identità di Aterballetto”.
In questa strategia rientra la scelta di Giuseppe Spota, giovane coreografo di cui la direttrice artistica aveva già notato il talento quando era suo allievo al Balletto di Toscana. Al pubblico di Ravenna Festival Spota presenta Lego, curandone anche i costumi e l’allestimento. La coreografia, che nel titolo richiama il gioco d’infanzia con i familiari mattoncini, ma anche la connessione con l’altro, descrive sul palcoscenico un paesaggio infinito di rapporti, incontri, percorsi, rivelando l’ottima capacità dell’autore nell’articolare le complicate danze di gruppo.

“Sono affascinato dalle dinamiche di gruppo e dalla dialettica con il set – ha dichiarato Spota – vedo la danza in un contesto ampio, in cui anche la musica e l’impianto scenico hanno una funzione espressiva. Il titolo Lego ha un doppio significato: allude alle altre forme, ma anche al legame tra le persone ed al mio con i miei antichi colleghi. Io sono partito da qui, dall’Aterballetto”. Una danza costruita per tasselli (o per mattoncini, appunto), legami casuali o cercati, un divagar danzando, e giocando, sulla misteriosa natura delle relazioni umane, immersi in un bagno di frammenti sonori calzanti come la musica dell’italiano Ezio Bosso, ma anche di A Filetta, di Jóhann Jóhannsson, di Olafur Arnalds/Nils Frahm.
Secondo elemento del dittico sarà Antitesi di Andonis Foniadakis, nome in rapida ascesa nel panorama della coreografia contemporanea. Anche lui ha alle spalle una carriera da danzatore scelto, nel corso della quale ha interpretato i lavori degli autori più importanti del Novecento, cogliendone le diverse suggestioni e rielaborandole ora, da coreografo, in un interessante mix di estetiche béjartiane e rigori made in Japan.

Per Aterballetto ha creato una sinfonia di dissonanze, nello spirito del “tutto presente in tempo reale” che distingue questo millennio denso, veloce, pronto a rompere tutti gli schemi, senza rinunciare al passato. La musica di Antitesi è barocca e contemporanea e collega tra loro compositori italiani lontani nel tempo – da Pergolesi a Scelsi – ma in sintonia emozionale: un oceano di brani in cui i ballerini sono immersi e fluttuano lanciandosi nello spazio tra aggressività e dolcezza, liberi di muoversi al ritmo del respiro nel dispiegarsi organico ma non quotidiano, denso e trasparente insieme, dell’azione. “Ho costruito il pezzo – dice Foniadakis – combattendo tra ricerca della bellezza del passato, come nostalgia, e realtà di oggi, agitata, dinamica, incerta, violenta”. Affascinanti ossimori in cui interpretare la danza e la sua ombra.
Aterballetto è una compagnia di balletto contemporaneo, punta di diamante nel panorama italiano. Fondata a Reggio Emilia da Vittorio Biagi nel 1979, con l’Orchestra dell’Ater e la Compagnia di Prosa Emilia-Romagna Teatro, è una delle sezioni dell’Ater, acronimo di Associazione Teatrale Emilia-Romagna. Da allora la compagnia produce e distribuisce spettacoli di danza in Italia con forma stabile al di fuori del circuito delle fondazioni liriche. Dopo Amedeo Amodio, che l’ha diretta dal 1997 al 2007, la direzione artistica è stata affidata a Mauro Bigonzetti. Dal 2008 Bigonzetti assume il ruolo di coreografo principale della compagnia e la direzione artistica viene affidata a Cristina Bozzolini. Nel corso della sua storia, per il contributo di Mauro Bigonzetti e degli autori che hanno collaborato con la compagnia – Jiri Kylian, William Forsythe, Ohad Naharin, Iztik Galili, Fabrizio Monteverde, Jacopo Godani, Eugenio Scigliano – la vocazione della compagnia al balletto contemporaneo si è consolidata. L’attività della Fondazione Nazionale della Danza Aterballetto è sostenuta dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali italiano, dagli Istituti italiani di cultura e dalle ambasciate italiane del Ministero degli Affari Esteri.

Sabato 27 giugno al Pala de André le grandi sinfonie di Liszt e Čajkovskij con l’Orchestra di Budapest. Fra i protagonisti Chiara Muti

I temi danteschi che caratterizzano l’edizione 2015 del Ravenna Festival trovano una sintesi perfetta nello spettacolo “DanteXperience“, concerto multimediale che propone le più importanti partiture sinfoniche ispirate alla Divina Commedia: la “Francesca da Rimini“ di Čajkovskij e la grandiosa “Dante Symphonie“ di Liszt. I brani, interpretati dalla Budapest MAV Symphony Orchestra e dall’Angelica Girls’ Choir, saranno accompagnati dalle letture dantesche di Chiara Muti e dalla proiezione delle vertiginose incisioni di Gustave Doré, rielaborate nelle animazioni digitali di Giuseppe Domenichini: una vera e propria “esperienza“ sinestetica che avvolgerà lo spettatore immergendolo ancora una volta nell’universo dantesco.
Questa produzione del Festival di Primavera di Budapest, che approda al Pala de André sabato 27 giugno (alle ore 21), costituisce il perfezionamento del progetto “Musica, Poesia e Immagini sulla Divina Commedia” che il pianista e direttore d’orchestra Vittorio Bresciani aveva avviato proprio a Ravenna Festival nel 2002.

Il maestro Bresciani con questo concerto riesce a realizzare l’allestimento che lo stesso Franz Liszt aveva immaginato per la prima esecuzione della Dante Symphonie, prevista al Teatro di Corte di Dresda nel 1857: l’idea del compositore era, infatti, di accompagnare la musica con i 27 disegni ispirati alla Divina Commedia commissionati al pittore tedesco di origine italiana Bonaventura Genelli, che sarebbero stati proiettati per mezzo della cosiddetta lanterna magica, tecnologia all’avanguardia per quell’epoca. Impresa a cui Liszt dovette rinunciare a causa dei costi e delle difficoltà tecniche, ma che non è stata dimenticata da chi ha dedicato gli studi alla sua opera. «Tutto è nato dalla mia passione per Liszt  – commenta appunto il direttore d’orchestra Bresciani – ereditata dal maestro Vincenzo Vitale, con il quale mi sono formato da ragazzo: una passione tale che nell’ultimo ventennio mi sono dedicato anima e corpo alla musica del compositore ungherese. E quando, dalla fine degli anni Novanta, alla mia attività alla tastiera si è affiancata quella sul podio, ho cominciato a ideare progetti nei quali l’esecuzione dei poemi sinfonici e delle sinfonie Faust e Dante si saldasse alla lettura di testi poetici e alla proiezione di immagini».

E per offrire una migliore e coerente resa artistica, Bresciani ha sostituito i disegni che avrebbe utilizzato Liszt proponendo le inconfondibili incisioni di Doré. Una sorta di omaggio “storico”: «Sappiamo che Liszt frequentò Doré a Parigi: a casa sua, nel 1866, suonò la Dante nella versione per due pianoforti assieme a Camille Saint-Saëns. Doré ringraziò regalandogli un dipinto che raffigurava Dante alla porta dell’Inferno, ora conservato al Museo “Liszt” di Budapest».
Negli anni il concerto multimediale si è raffinato, le tecnologie digitali hanno reso l’intero impianto più agile ed è cambiato anche il modo di inserire i versi danteschi sulla musica, come spiega Bresciani: «Gli interventi recitati, tratti da Inferno e Purgatorio, sono molto più numerosi e disseminati nel corso della sinfonia. Di solito vengono affidati a due attori: una voce narrante maschile (Dante) e, da lontano, per un breve ma significativo momento, una giovane voce femminile (Francesca). In questa versione ci sarà unicamente Chiara Muti a interpretare entrambi i ruoli, alla sinistra del podio, come una cantante solista. E anche Čajkovskij sarà introdotto da una lettura dantesca».

La Francesca da Rimini, fantasia sinfonica in minore op. 32, è stata composta da Čajkovskij in appena tre settimane, dal 17 ottobre al 7 novembre 1876. Si tratta di un lavoro che l’autore aveva particolarmente a cuore, come rivelano le parole dello stesso Čajkovskij: «L’ho scritta con amore e l’amore mi sembra sia emerso abbastanza bene». La fantasia è articolata in tre parti: la sezione iniziale rappresenta «La bufera infernal che mai non resta» (Inferno, V, 31), ossia il vento che trascina con violenza le anime dannate dei lussuriosi. Quella centrale è il canto d’amore di Francesca, affidato dapprima al clarinetto solista e sviluppato, secondo un procedimento tipico di Čajkovskij, per accumulo di materiali sonori, fino a esiti parossistici. Il suono dei corni richiama infine i protagonisti alla realtà infernale: il tempo della confessione e del ricordo è finito, per gli amanti ricomincia l’eterno tormento.
«Dante trova la sua risonanza nell’arte di Orcagna e Michelangelo, forse un giorno ne troverà una musicale in un Beethoven del futuro» scriveva Lizst nel 1839, quando, all’apice del suo successo come concertista, già meditava su un progetto di sinfonia dantesca.

D’altronde la passione per la Commedia ha accompagnato il compositore per tutta la vita: scoperta da ragazzo, l’aveva poi riletta con sguardo più profondo durante il soggiorno a Firenze, a fine anni Trenta, insieme alla contessa Marie d’Augoult, scrittrice e madre dei suoi tre figli. L’opera è ispirata all’Inferno e al Purgatorio: il progetto originale prevedeva tre movimenti, uno per ogni cantica, tuttavia Wagner (che ne diverrà il dedicatario) convinse l’amico a tralasciare il Paradiso perché, secondo lui, nessun essere umano sarebbe stato in grado di restituirne in musica lo splendore. Liszt allora, al posto del terzo movimento, in coda al secondo fece intonare il Magnificat a un coro di donne (oppure di bambini), concedendosi comunque un effetto teatrale: prescrisse che i cantori, con l’armonium che doveva sempre accompagnarli, restassero invisibili al pubblico; al limite, venissero collocati su pedane o balconate sopra l’orchestra. Una disposizione rispettata dalla regia di Vittorio Bresciani, che collocherà il coro sulle tribune laterali.