Antonio Patuelli acclamato Presidente d’Onore a vita

In occasione della recente assemblea dei soci dello storico Circolo Ravennate e dei Forestieri – l’associazione civica fondata nel 1860 da Gioacchino Rasponi – che ha sede nell’antico palazzo di via Corradi Ricci, ha eletto le cariche sociali per il prossimo biennio riconfermando presidente Beppe Rossi, che da diverso tempo è animatore delle attività sociali e culturali ai vertici del sodalizio. L’assemblea ha anche acclamato Antonio Patuelli, (presidente dell’Abi e della ravennate Cassa di Risparmio) Presidente Onorario a vita. Fra gli altri eletti alla direzione dell’associazione: Stelvio De Stefani quale Presidente Emerito Anziano; Werther Bertoni, Mario Boccaccini e Pietro Roncuzzi nel ruolo di Vice
Presidenti; Domenico Muti, Roberto Scaini e Carlo Serafini in quello di Consiglieri. Ermanno Cicognani è stato eletto Segretario Generale e Carlo Mingozzi nelle funzioni di Tesoriere. Il Collegio Sindacale è composto da Guido Camprini (Presidente), Alberto Gamberini, Gianni Ghirardini, Mauro Mazzesi, Carlo Simoncelli. 

L’acclamato direttore d’orchestra per la prima volta a Ravenna, il 26 giugno al Pala de André  

Semyon Bychkov salirà sul podio della Münchner Philharmoniker, celebre orchestra tedesca dalla storia ultracentenaria, venerdì 26 giugno al Pala de André (ore 21). Il programma prevede due capolavori per certi versi antitetici: la Terza sinfonia in fa maggiore op.90, con cui Johannes Brahms si emancipa definitivamente dall’ingombrante modello beethoveniano, e la stupefacente tavolozza timbrica de La mer, tre schizzi sinfonici dedicati a Jacques Durand che Claude Debussy compone tra il 1903 e il 1905, durante un soggiorno sulle coste inglesi della Manica. In mezzo, la giocosa serenità del Concerto per pianoforte e orchestra in sol maggiore di Ravel, intriso dei più diversi influssi, dal jazz ai temi baschi, affidato alla poetica e alla prodigiosa tecnica pianistica di Jean-Yves Thibaudet, sicuramente tra i più titolati interpreti raveliani dei nostri tempi.

L’innata musicalità di Semyon Bychkov, il cui gesto è capace di svelare l’insospettabile anche nelle pagine più celebri, si fonde in modo perfetto con il rigore della pedagogia russa e questo gli consente di dirigere un repertorio che abbraccia quattro secoli. Il maestro russo ha più volte interpretato le Sinfonie di Brahms e non a caso ha scelto di aprire il programma con la Terza, che conquista per la sua forza e le sue sottigliezze armoniche. Pur essendo meno complicata ed elaborata nel suo sviluppo rispetto alle altre sinfonie di Brahms, è ricca di idee poetiche e di grande varietà di colori. Si tratta di una creazione musicale intrisa di tragico fatalismo, di pathos e di eroismo, sublimati nelle categorie della musica assoluta: crogiuolo in cui si fondono, in continuo ed equilibrato ma inquieto divenire, le esigenze espressive più diverse, ciascuna incarnata via via da diversi profili tematici, e soprattutto dalle diverse connotazioni ritmiche, armoniche e timbriche ad essi conferite.
Il celebre tema del terzo movimento è stato ripreso nel film Aimez vous Brahms? di Anatole Litvak, ma è stato spesso utilizzato anche nella musica pop, ad esempio nelle canzoni Baby alone in Babylone di Serge Gainsbourg e Love of My Life, contenuta nell’album Supernatural di Carlos Santana.
Il genere del concerto per pianoforte e orchestra, che affonda le radici nel tardo Settecento, è sempre rimasto vivo arrivando fino a noi. Una longevità dovuta alla capacità di rinnovarsi, nelle forme e nei contenuti, di questo perenne dialogo fra solista e insieme strumentale. Il Concerto in sol maggiore di Maurice Ravel, scritto fra il 1929 e il 1931, rappresenta appunto una straordinaria innovazione: le forme addirittura settecentesche, che il compositore evoca e rispetta, valgono qui come riferimenti a strutture limpide e razionali in cui calare non soltanto contenuti moderni, ma anche tratti eversivi ed energia cinetica. La musica è leggera, briosa e scorrevole, composta “nello spirito di Mozart e di Saint-Saéns”, come lo stesso autore dichiara in un’intervista.
Il Concerto è strutturato in tre movimenti: “Allegramente”, ricco di idee tematiche; “Adagio assai”, una dolce melodia al pianoforte con pochi interventi degli archi e dei legni; “Presto”, un brillante finale ricco di virtuosismi. Così il primo movimento si apre, a sorpresa, con uno schiocco di frusta ed è caratterizzato da cadenze jazzistiche; il secondo crea un’atmosfera incantata e serena, e al pianoforte è affidato un ampio elemento cantabile, una lunga placida melodia sulla quale, delicatamente, si inserisce il flauto. Infine il “Presto”, breve e incisivo, è caratterizzato dalla scrittura percussiva del pianoforte, dal glissare del trombone, dalle fanfare di corni e trombe, che creano di nuovo spunti di carattere jazzistico nella frenetica evoluzione del finale.

“Forse non sapete che avrei dovuto intraprendere la bella carriera del marinaio – scrive in una lettera Debussy – e che solo per caso ho cambiato strada. Ciononostante, ho mantenuto una passione sincera per il mare”. Nei tre pannelli sinfonici de La mer il tema del mare assume un significato diverso dal naturalismo ottocentesco. Debussy non intende raffigurare la natura nella sua realtà oggettiva, con l’occhio dell’artista ansioso di descrivere il fenomeno che l’ha impressionato: la sua musica cerca piuttosto di esprimere il processo intimo della percezione, cogliendo le infinite vibrazioni dell’essere di fronte a un’esperienza.
Il superamento del poema sinfonico è dichiarato dall’autore già con il sottotitolo, “Tre schizzi sinfonici”, divisi nelle parti “Dall’alba a mezzogiorno sul mare”, “Gioco di onde”, “Dialogo del vento e del mare”. La mer potrebbe essere considerata come un esempio di impressionismo musicale, in cui la partitura suggerisce un accadimento in maniera appunto soggettiva, ne dà l’impressione e non la descrizione oggettiva, giocando anche su un uso estremamente accorto dell’orchestra e sul passaggio dallo sfumato coloristico a passi con timbri dissociati.

Il canto a tenore sardo incontra quello armonico della Mongolia il 26 giugno alla Classense

Voci Nomadi è il nuovo appuntamento della sezione “Canti Nomadi” di Ravenna Festival: venerdì 26 giugno alle 21.30, nella suggestiva cornice del Chiostro della Biblioteca Classense, si esibiranno insieme il Cuncordu e Tenore de Orosei e i cantori mongoli Tsogtgerel Tserendavaa e Garzoring Nergui. Lo spettacolo richiama l’antichissima tradizione dei griot e dei cantastorie, poeti e depositari dell’identità dei popoli, che attorno ai fuochi, accesi per rischiarare le notti del deserto e le caverne a piedi della grandi montagne, accompagnavano i loro versi con i movimenti del corpo e la musica.

Le origini delle polifonie del tenore e del canto difonico khoomij si trovano nelle terre scabre dove la natura è ancora sacra e pastorale: fra le aspre montagne della Sardegna, animate da liturgie e feste paesane al confine fra sacro e profano, e nelle steppe della Mongolia, che si stendono tra le montagne dell’Altaj e il misterioso deserto del Gobi. In Voci Nomadi l’intreccio delle voci del gruppo di Orosei e dei due artisti mongoli svela i valori e le affinità di questi due popoli, testimoni di un passato in cui l’uomo sapeva vivere in simbiosi con la natura. Questo meraviglioso incontro si è realizzato per la prima volta nell’ambito del Festival delle Musiche Sacre di Fès, in Marocco, e si è replicato al festival Les Orientales in Francia.
Il canto a “tenore” è un canto unico nel proprio genere, di cui si possono trovare forme simili soltanto in Africa o, appunto, in Mongolia, e per questa sua particolarità è stato dichiarato patrimonio intangibile dell’umanità dall’Unesco. A intonare il canto c’è una voce, “Sa voche”, che utilizza poesie improvvisate o di poeti colti, in sardo, e di seguito intervengono, con sillabe nonsense, le due voci gutturali (contra e bassu) e una voce naturale a completare lʼaccordo (mesuvoche). Il canto a “Cuncordu” (in sardo “cuncordos” significa dʼaccordo, accordati, intonati) nasce durante la colonizzazione spagnola in Sardegna, e trova forma nelle confraternite di Santa Croce, del Rosario e delle Anime, nate ad Orosei tra il 1600 ed il 1700. È un canto a quattro voci maschili, in lingua sarda o latina, che accompagna i vari momenti dell’anno liturgico, ma che trova il massimo della sua espressione durante i riti della Settimana Santa.
Il canto armonico khoomij è diffuso in varie zone dell’Asia centrale, in particolare dei Monti Altaj. In Mongolia oggi è praticato da diversi gruppi etnici: Khalkh, Tuva, Altaj  Uriankhai, Zakhchin e Bayad. Khoomij (letteralmente “faringe”) è un termine generico per indicare la tecnica vocale in cui si sovrappongono intenzionalmente diversi suoni vocali prodotti dalla stessa persona: una sequenza di armonici che si genera sopra un suono fondamentale più basso, detto “bordone”. Tradizionalmente appannaggio degli uomini, da un paio di generazioni questa tecnica è praticata anche dalle donne. In Mongolia se ne distinguono parecchie varianti, riconducibili a due stili principali: kargiraa (khoomij profondo) e isgerex khoomij (khoomij flautato).

I protagonisti dello spettacolo Voci Nomadi sono artisti che rappresentano in maniera particolarmente ricca ed espressiva il patrimonio musicale della loro terra, e riescono a fondere i suoni di luoghi lontani mettendone in risalto le corrispondenze.
Il Cuncordu e Tenore de Orosei, tra i migliori interpreti nel vasto panorama delle musiche vocali sarde, abbraccia entrambe le forme della tradizione vocale di Orosei: il loro repertorio, eseguito con eccezionale bravura, spazia dal canto sacro delle confraternite religiose al canto a tenore a tema profano.
Questa combinazione fa del Cuncordu e Tenore de Orosei i custodi fedeli dell’eredità musicale ricevuta dai cantori anziani. Il gruppo esegue i Gotzos (canti della Passione di Cristo), i balli tradizionali, le serenate d’amore e tutto il repertorio canoro del loro paese, l’unico in Sardegna ad aver conservato le due modalità di canto senza interruzioni nel tempo. Con la stessa passione sono disposti all’indagine e all’incontro con altre espressioni musicali: al Konzerthaus di Berlino, con le voci Bulgare “Angelitè” e il RIAS Kammerchor , con gli amici della piccola Repubblica di Tuva, gli Hu Hun Hurtu, o altre sperimentazioni con diversi musicisti quali Enzo Favata, Luigi Lai, Totore Chessa , i Tenores de Bitti, Nguyen Le, Mola Sylla, Luciano Biondin, Paolo Fresu, Ernst Reijseger (con cui hanno partecipato alla registrazione della colonna sonora di due film di Werner Herzog: “The Wild Blue Yonder” e “White Diamond”) e, in ultimo appunto il progetto “Voci Nomadi” con i cantanti mongoli Ganzoring e Tsogtgerel. La formazione attuale è composta da Massimo Roych (Voche del Cuncordu, trunfa, pipiolos, benas), Mario Siotto (Bassu, trunfa), Gian Nicola Appeddu (contra), Piero Pala (Voche, Mesuvoche), Tonino Carta (Voche del Tenore).
Tsogtgerel Tserendavaa e Garzoring Nergui rappresentano due tradizioni distinte del canto difonico khoomij della Mongolia. Se Tsogtgerel ha saputo assimilare la tradizione delle steppe dei Monti Altaj, fondendolo con il modello dell’Accademia di Ulaanbaatar in un potente canto difonico dall’ampio registro armonico, l’autodidatta Garzoring combina in una sintesi perfetta gli stili mongoli e tuva. Insieme eseguono canti di lode magtaal, in cui si combinano canto di gola e canto armonico, accompagnandosi ai liuti tovshuur e alla viella morin khuur.