In mostra alla Fondazione Sabe le opere di Valerio Anceschi e Luca Scarabelli. La rassegna d’arte è aperta fino al 24 giugno

Sono attualmente due le presenze in mostra alla galleria Sabe a Ravenna che apre una contenuta retrospettiva dei lavori di due scultori italiani, entrambi di origine lombarda: Valerio Anceschi e Luca Scarabelli. Appartenenti a generazioni diverse ma distanziati da appena una decina di anni – Scarabelli è del 1965 mentre Anceschi nasce 10 anni dopo – i due scultori sono apparsi sul panorama nazionale rispettivamente fra gli anni ‘80 e il decennio successivo.

In mostra è presente una selezione di lavori appartenenti agli ultimi loro 15 anni di lavoro, con qualche incursione in quelli precedenti in modo da enucleare la diversa poetica delle due personalità evidenziandone anche le vene comuni. Il titolo della mostra – Levia Gravia, preso a prestito da un verso di Ovidio e dalla raccolta di Carducci – racchiude il concetto di una leggerezza formale che caratterizza tutte le sculture presenti, lontane dall’idea di monumentalità tipica di molta tradizione scultorea. Il secondo concetto suggerito dal titolo invece riconduce la scultura nella sua linea di appartenenza terrestre, nelle sue relazioni con lo spazio e la materialità, nell’attenzione che entrambi gli scultori pongono alle super­fici e alle trame spaziali possibili.

Entrando più speci­ficatamente nel lavoro di Luca Scarabelli, occorre ricreare il contesto di una produzione che comprende pittura, scultura, allestimenti, libri d’artista, video, perfomance e anche un recente intervento di arte pubblica. La multiforme versatilità dei linguaggi utilizzati dall’artista delinea alcune corde in comune a tutti i lavori quali un’attenta sobrietà formale che interseca rivisitazioni di poetiche surrealiste per il riutilizzo di objects trouvés, l’attenzione a materiali artistici storicizzati, la rievocazione di un affato ironico che resuscita le provocazioni delle Avanguardie storiche. La storia dell’arte del ‘900 è per l’artista un patrimonio a cui attingere: da Joseph Beuys – un maestro amato da Scarabelli che lo cita nel suo recente intervento di arte pubblica a Roma – trae ispirazione per un lavoro del 2006 – un cappello di feltro rovesciato ed eretto a pavimento – che riprende l’utilizzo ti pico del feltro di Beuys, eludendone però la carica eversiva politica e rimettendo in gioco al suo posto una prospettiva ironica. La bandiera di I’m sorry, I’m lost (2014) o le forbici piantate nel muro del più recente Hysteria (2022) riaccendono la vitalità degli oggetti trovati per caso, quelli che i Surrealisti credevano scegliessero le persone e non venissero scelti. Importante per questi lavori è la scelta del titolo – dal valore equiparabile alla materialità dell’intervento – proprio per i nessi immaginativi e culturali che si creano fra oggetto e apporto verbale.

Anche Valerio Anceschi divide il suo lavoro equamente fra diversi linguaggi, riducendo comunque gli interventi alla pittura, alla scultura e ad alcune incursioni nel design di gioielli. La poetica dell’artista gravita su una forte attenzione formale, sostanzialmente lirica nel segno e nelle risultanti tanto da essere inserito nel gruppo milanese dei Nuovi lirici, fondato nel 2008 dal critico e curatore Matteo Galbiati.

Le sculture di Anceschi vengono prodotte principalmente utilizzando materiali di scarto di produzioni provenienti da fonderie, che vengono poi risagomati e plasmati in opere caratterizzate da un’evidente leggerezza. Nei lavori meno recenti come Aeriforme del 2010, le grandi dimensioni e la relativa pesantezza visiva del materiale sono poste in discussione dalla levità dell’allestimento: l’opera dichiara la propria precarietà nella possibilità di muoversi nello spazio in questa sorta di traduzione portata al gigantismo degli storici mobiles di Alexander Calder. Altre volte, soprattutto per le sculture più recenti a muro come Io rinuncio (2021) o Aeriforme (2010), rigorosamente colorate nella bicromia di rosso o nero, le opere presentano una sorta di elasticità connaturata che permette al lavoro di adattarsi in posizioni e spettri spaziali diversi in altrettanti differenti spazi di allestimento.

“Valerio Anceschi – Luca Scarabelli. Levia Gravia”, a cura di Francesco Tedeschi, Sede Fondazione Sabe per l’arte (via Giovanni Pascoli 31), Ravenna, fino al 24 giugno; gio.-ven.- sab. ore 16-19, Ingresso libero.

Il massimo riconoscimento della 62esima edizione assegnato al belga Yves Malfliet e al cinese Wei Bao. Cerimonia ufficiale al Mic il 30 giugno, poi la mostra delle opere selezionate fino al 29 ottobre

Sono stati recentemente assegnati i riconoscimenti della 62° edizione del Premio Faenza, la Biennale Internazionale della Ceramica d’Arte Contemporanea, tra le più importanti al mondo, organizzata dal MIC di Faenza da oltre ottanta anni.
La giuria composta dalla direttrice del MIC Faenza, Claudia Casali, Judith Schwartz, presidente del Museum of Ceramic Art-NY, Ranti Tjan, direttore della Royal Academy of Art in The Hague, Tomohiro Daicho, senior curator del MOMAK di Kyoto, dopo un attento lavoro di analisi delle settanta opere selezionate ha giudicato come vincitrice della categoria over 35 – premio sostenuto Fondazione del Monte e Cassa di Risparmio di Faenza – l’installazione “Paradiso eclettico di terra” dell’artista belga Yves Malfliet e, come vincitrice della categoria under 35 – premio sostenuto da Cersaie –, l’opera “Courtyard Twilight Series IV” dell’artista cinese Wei Bao.

Entrambi gli artisti vincitori riflettono attraverso l’argilla sul rapporto tra uomo, società, natura e ambiente.
«Yves Malfliet evolve reinventando costantemente il suo lavoro attraverso creazioni argute e stimolanti.  – commentano i giurati – Il processo di lavorazione dell’argilla è caratterizzato da molteplici tecniche che danno vita ad un insieme armonico. L’aspetto intellettuale dell’opera porta ad indagare la nostra società e, più profondamente, i resti della società, attraverso la fusione e un apparente collasso degli oggetti, racchiusi in scatole in cui tutto è accatastato, come un bric-à-brac o rifiuti. L’opera ingloba l’intero spazio concesso: muro, tavolo, pavimento in una installazione totale di grande originalità».
«Il lavoro di Wei Bao – ha motivato la giuria – pone invece l’attenzione sul rapporto tra uomo e natura a partire da una riflessione sulle antiche civiltà e i loro nuclei abitativi. La circolarità rappresenta la rivoluzione della Terra, le antiche civiltà iniziarono a vivere in spazi circolari, a contatto e in simbiosi con la natura. Questo è un tema quanto mai attuale: viviamo tutti i giorni la perdita di quell’armonia primordiale. L’opera ci richiama al rispetto degli equilibri naturali nel costruire, per tornare ad un dialogo sereno con la natura».

La Medaglia della Camera dei Deputati è andata ad Anja Seiler, la Medaglia del Senato della Repubblica a Marieke Pauwels, il Premio Monica Biserni a Sarah Pschorn, il Premio in memoria di Eleuterio Ignazi a Victor Fotso Nyie, il Premio Rotary Club Faenza a Marco Samorè, il Premio Lions Faenza Club Host ad Elysia Athanatos, la Medaglia d’argento della rivista “D’A”ad Hongli Peng, infine il Premio alla Carriera del MIC Faenza: Velimir Vukicevic.
Le Menzioni d’Onore della Giuria vanno invece a Sara Cancellieri, Frank Louis, Fausto Salvi, Veljko Zejak.

La cerimonia ufficiale di premiazione del 30 giugno, dalle ore 17, al MIC, prevede un dibattito con gli artisti premiati e darà il via alla mostra delle settanta opere selezionate che saranno visitabili dal 1 luglio al 29 ottobre 2023. In mostra per lo più installazioni, realizzate da artisti già affermati (over 35) e giovani talenti (under 35), provenienti da tutto il mondo che hanno scelto la ceramica come mezzo principale per esprimere la loro poetica.

«La selezione presentata è una ricca ed interessante panoramica dell’arte ceramica contemporanea. – conclude la direttrice del MIC Faenza Claudia Casali – Un ventaglio di proposte che riflettono su temi attuali e danno una visione delle potenzialità oggi che la materia ceramica offre per la scultura e l’installazione. Ringrazio gli artisti che hanno aderito al progetto e la giuria che, nonostante le difficoltà del momento nella nostra città, ha voluto essere presente e partecipare per dare sostegno agli artisti e a questa particolare edizione».

Il Ravenna Festival accoglie, il 17 giugno a San Vitale, l’opera coreografica della cofondatrice della Societas Raffaello Sanzio, che risale alle radici del canto “Znamenny”, tra Bulgaria, Ucraina a Russia.

Claudia Castellucci, drammaturga, coreografa e sensibile esegeta dei ritmi ancestrali, dopo essere stata cofondatrice della Societas Raffaello Sanzio, ha orientato la sua ricerca verso il movimento con la creazione di scuole dall’impronta fortemente sperimentale come Stoa e Mòra. Ne La nuova abitudine, che porterà nel tempio bizantino di San Vitale (il 17 giugno) per il Ravenna Festival 2023, risale alle radici del canto Znamenny scandendo le distanze dal Mar Nero al Mar Baltico, dove Bulgaria, Ucraina e Russia trovano un comune denominatore nell’essere lambite dalla medesima liturgia sonora. Un antico canto ortodosso di origine greca che si ibrida con la tradizione rurale di una Russia oggi attraversata dall’indicibile violenza della guerra. Una ritmicità rigorosamente disegnata di cui Castellucci ha testato la primigenia potenza sulla propria pelle di insaziabile viaggiatrice nel tempo e nello spazio.

Quanto è determinante “l’humus culturale” ibrido a cui si riferisce quando parla della genesi de La nuova abitudine?
«I canti Znamenny rappresentano una tradizione minoritaria rispetto al canto liturgico russo più noto, austero, ricco e lussureggiante. Lo Znamenny è più sobrio, perché si fonde con l’elemento rurale bizantino e russo. L’isolamento legato alla recente pandemia ha favorito un ascolto dilatato nel tempo, affrancato da altri rumori e suoni, da cui è scaturita la base per una danza. In questo percorso ho incontrato un inciampo: la funzione specifica liturgica di questo canto, che nulla ha a che fare con la mia concezione di danza. Ma poi mi sono detta che nella condizione di isolamento in cui era importante evadere, cambiare mentalità e modo di vivere quotidianamente, è calzante, nel volere cambiare abitudine, anche fare propria una tradizione che originariamente non lo fosse. Così ho trascorso un mese a San Pietroburgo, svolgendo un seminario nella sede della musicAeterna, orchestra molto prestigiosa con cui ho avuto il grande privilegio di danzare la musica dal vivo eseguita dai coristi. Dopo il debutto anche a Roma e Torino il progetto si è interrotto a causa dell’invasione dell’Ucraina e oggi non è possibile avere i cantanti russi, anche se non sono affatto putiniani».

Come ha modi­ficato quindi l’esecuzione, senza correre il rischio di snaturare l’opera?
«È fondamentale, in questo genere di danza, che vi siano coristi dal vivo, perché ci si trasmette forza a vicenda. Un elemento che sognavo per la riuscita del lavoro era anche portare La nuova abitudine a San Vitale, perché chiude un cerchio, riunendo cultura occidentale e orientale nella tradizione bizantina, che fonde le due anime della cristianità. È significativo in questo tempo di grande divisione e separazione a causa della guerra che il canto celebri unione al di là delle armi e delle parole che, sino ad ora, sono state inutili. Angelo Nicastro ha colto la nostra proposta e a Ravenna saremo quindi con un coro bulgaro che conosce perfettamente questa tradizione».

Dove nasce la pulsione verso lo studio del movimento?
«Ha avuto origine nella parola: ho cominciato a scrivere di teatro in senso drammaturgico e teorico all’interno di un’arte in cui la platea vive lo stesso tempo di chi è sulla scena. Poi ho sentito il bisogno di accantonare il discorrere, perché mi sembrava che il tempo avesse bisogno di essere esaltato con la musica, il canto e la danza. Tutto ciò che si svolge nel tempo è ritmo e ha una struttura formata, non legata al caso. È una nuova cardiologia di pulsazioni che si forma insieme al pubblico».

Quali direzioni immagina nel futuro della sua ricerca?
«Vorrei contraddire quanto detto sino ad ora e sperimentare un movimento capace di fare a meno dello schema, perché affidato esclusivamente a immagini che sorgono nella mente. La musica sarà sempre presente, come un mare che sostiene il movimento, ma senza regole prefissate, affinché il gesto segua maglie più larghe e profonde».