Vincitore di due premi, vede in scena due attori bambini

«Uno spazio scenico affidato alla naturalezza di soli attori bambini, che ribalta la consuetudine del Teatro Ragazzi interpretato da adulti per riscoprire il nesso fondante tra gioco e teatro. I temi eterni della condizione umana rivelati in filigrana, in un tessuto di conflitti, complicità, piccoli egoismi e affermazioni di potere. Una drammaturgia sapiente che restituisce con limpidezza e semplicità di gesti e parole la dimensione profonda e poetica del mondo infantile».

Sono queste le motivazioni con cui la giuria del Premio Scenario Infanzia 2014 ha premiato lo spettacolo La stanza dei giochi che sarà per la prima volta a Ravenna domenica 11 dicembre alle 16.30 a chiudere la prima parte della stagione Le Arti della Marionetta.

La stanza dei giochi, che nel 2015 si è aggiudicato anche il premio Dallorso, è uno spettacolo inusuale dove protagonisti sono due bambini, giovanissimi attori di dieci anni, Sofia Ghiorsi e Francesco Cataldo Scavo, che lo abitano insieme ai loro tanti giocattoli creando un effeto di “gioco nel gioco del teatro”. Uno spettacolo basato sul binomio gioco/realtà tra i due bambini che, incrociando i loro sguardi, discutono, litigano, fanno pace, affrontano le mille reazioni alla vita quotidiana.

«Emma ed Elio – ha scritto su “D di Repubblica” la celeberrima Elasti – hanno dieci anni, poco più di mio figlio, che li sta a guardare, con i suoi occhi tondi e sgranati, ma anche con la pancia, la testa, le braccia e le gambe perché, a quell’età, quel che ti cattura può inghiottirti e possederti, poco importa che tu sia sopra o di fronte al palcoscenico. Emma ed Elio giocano, quel gioco di potere, complicità, ricatti, perfidia e mediazione che si impara da piccoli per essere usato e abusato da grandi. Emma può essere spietata e prevaricatrice ma anche vulnerabile e inquieta. Elio può essere vittima ma è astuto, silenziosamente ribelle e si trasforma in quello che vuole. È un gioco sottile e ipnotico perché quei due portentosi ragazzini recitano se stessi, la loro età di scoperte e conflitti, ma mettono anche in scena, con magistrale inconsapevolezza, le nostre miserie, la nostra fragilità e il nostro vitale bisogno gli uni degli altri. Ci sono poesia e ferocia nei loro dialoghi, ci sono incanto e brutalità nei loro gesti. Ci siamo noi allo specchio, insieme ai nostri figli».

Un lavoro unico e originale, frutto dell’esperienza e sensibilità dei due registi Marta Abate e Michelangelo Frola della compagnia Scena Madre. Lo spettacolo è adatto ai bambini a partire dai 6 anni.

Al Mar fino all’8 gennaio la rassegna documentaria dedicata alla storia secolare della chiesa di Porto Fuori

Credo che la foto di don Mario Mazzotti fra le rovine di Santa Maria in Porto Fuori sia una delle immagini su cui si àncora parte della memoria dei ravennati sull’ultima guerra. Chi ama la storia della città ricorda questa icona perfettamente: in alto, si staglia quel che resta di un arco dell’antica basilica, crollata dopo i bombardamenti del 5 novembre 1944, che sovrasta un cumulo enorme di macerie. La nebbia appanna la visione rendendo imperscrutabile l’espressione di don Mazzotti, parroco della basilica, che a distanza guarda verso l’obiettivo. Nel suo abito nero sembra una figura rassegnata alla desolazione e alla perdita che lo segna due volte in questo contesto: quella della propria madre e di altri parrocchiani, morti sotto il crollo, e quella di una basilica a cui aveva dedicato lunghi studi importanti.
Nonostante la sua valenza memoriale, non è questa l’immagine di apertura della mostra allestita al Mar di Ravenna: potrebbe però essere introduttiva al senso dell’esposizione curata da Alessandro Volpe, docente di Arte Medievale al Dipartimento di Beni Culturali dell’Università di Bologna, sede di Ravenna. “La casa di Nostra Donna”, questo il titolo della mostra, concentra il proprio interesse sulle immagini e i ricordi della Basilica di Santa Maria in Porto Fuori, articolando una riflessione sul rapporto fra complesso monumentale – l’insieme di edificio storico e apparati decorativi – e ricordo visivo, tradotto nelle immagini che dal ‘700 in poi si sono accumulate fino a oggi. Come a dire, una sorta di decalogo non solo dei supporti diversi che la pratica d’arte e poi la tecnologia hanno favorito, ma anche della qualità e dell’interesse dello sguardo che ha condotto la penna, la macchina fotografica o il mouse.
Partiamo dalla fine, ovvero dalla ricostruzione digitale della chiesa che permette ai visitatori di entrare dentro lo spazio ricostruito della basilica, in modo da comprendere la morfologia degli ambienti e il posizionamento dei cicli a fresco. Si tratta di ricostruzioni digitali – eseguite presso uno dei Laboratori del Dipartimento d Beni Culturali sotto la direzione del curatore e su base documentaria – che esprimono un preciso intento didattico. Superare i grafici e le ricostruzioni tecniche su cui hanno studiato in passato generazioni di studiosi è ormai una specie di imperativo: non solo per fronteggiare il disinteresse crescente delle nuove generazioni verso l’architettura antica e medievale ma anche per evitare quella dematerializzazione progressiva dell’architettura che i grafici hanno spesso favorito. A guardarli, ci si dimenticava quasi che materia, chiaroscuri, policromia e textures fossero parti costitutive delle architetture. Inutile poi sottolineare il cambiamento epocale nel campo della percezione che costringe oggi a porsi sul piano interattivo, digitale e virtuale a cui tutti sono legati. Sdrammatizzando l’implicita esca della spettacolarizzazione, si può affermare che la strada delle ricostruzioni tridimensionali può essere scientifica, gradevole, chiara, talvolta di supporto fondamentale alla ricerca.
Dalle immagini virtuali alla tecnica fotografica che le precede: in una sala, le fotografie degli affreschi scomparsi sotto i bombardamenti restituiscono la ricchezza tecnica e iconografica affrontata dalla scuola riminese del Trecento. Segue una sala in cui viene proiettato un documentario – a cura di Elena Pirazzoli e Fabrizio Varesco – che raccoglie le memorie delle persone contemporanee che videro la chiesa, la sua vita e distruzione. Di nuovo saltando indietro nel tempo, sulle pareti si delinea il percorso delle memorie fotografiche della basilica attraverso due secoli. L’insieme restituisce la problematicità delle riprese, talvolta schiacciate su una tradizione visiva che non accetta modifiche. Appare quasi più libera la serie dei disegni tratti dagli affreschi: fra cui gli appunti e gli schizzi finissimi di uno studioso ottocentesco come Cavalcaselle e le traduzioni  infedeli e bellissimenche nel Settecento ne diede un neoclassico come Felice Giani.
Come si diceva, al cuore di questo percorso espositivo sta lo sguardo attraverso il tempo: un giro intorno alla memoria e alle sue declinazioni. La mostra è aperta fino all’8 gennaio. Ingresso libero.

Il direttore d’orchestra si racconta 

Giovedì 8 dicembre, al Concerto di Natale della rassegna “Capire la Musica“ promossa da Emilia Romagna Cocerti nella Chiesa di San Giovanni Battista (ore 21), sarà Matthieu Mantanus a dirigere la Young Musicians European Orchestra. Intraprendente, carismatico e comunicativo, Mantanus nasce come strumentista, si trasforma in direttore d’orchestra e negli ultimi anni si fa conoscere al grande pubblico in qualità di fondatore della Jeans Symphony Orchestra e di divulgatore di musica accanto a Fabio Fazio nella trasmissione “Che tempo che fa”. Recentemente è stato a Ravenna per presentare Beethoven e la ragazza coi capelli blu, il suo ultimo libro salito in poco tempo in cima alle classifiche.

La musica è una parte fondamentale della tua vita. Perché hai scelto proprio lei come principale modalità di espressione?
«Non è una vera e propria scelta. È nato tutto con grande naturalezza e semplicità: nei miei primi anni è emerso chiaramente che avevo una particolare facilità nel rapporto con la musica, più che con altre discipline. Crescendo il legame con i miei strumenti, allora al pianoforte affiancavo il violoncello, ha preso un posto preponderante nella mia vita al punto che quando ho dovuto fare una scelta professionale, ho capito che non sarei potuto vivere lontano da loro. Dopo il diploma di perfezione però il mio percorso artistico successivo è stato molto più erratico di quanto avessi pensato: mi sono poco a poco reso conto che sarebbe stato impossibile rientrare ad ogni costo in un ruolo predefinito, un “direttore d’orchestra” o “un pianista” così come uno se li immagina. E tutte le difficoltà sul mio percorso mi hanno portato a dover scoprire chi ero veramente, accettarlo io stesso e infine farlo accettare agli altri. E crearmi così uno spazio professionale “su misura”: direttore d’orchestra, pianista, divulgatore, scrittore, e conduttore televisivo».

La tua adolescenza l’hai trascorsa sui banchi del conservatorio di Losanna. Com’è stato per te quel periodo?
«I ricordi più lontani – e belli – che ho sono i momenti passati all’orchestra giovanile del conservatorio di Losanna nelle file dei violoncelli. Per questo raccomando sempre, a chi mi chiede consigli su come iniziare, di fare musica insieme ad altre persone, che siano gruppi, cori o orchestre. Questa è la chiave per vivere il rapporto con la musica pienamente. Ci saranno talmente tante ore passate in solitudine con il proprio strumento, in un corpo a corpo al contempo doloroso e gratificante, che la condivisione della propria musica con gli altri a un certo punto diventa fondamentale».

A 17 anni, dopo aver conseguito il diploma di perfezionamento, ti trasferisci a Roma e inizi direzione d’orchestra. Sarai allievo di importanti maestri, primo fra tutti Giuseppe Sinopoli, poi Jorma Panula, Gianluigi Gelmetti e Lorin Maazel. Perché hai scelto di diventare direttore d’orchestra? Cosa ami di più del tuo lavoro? 
«Ho fatto questa scelta proprio perché mi mancava il rapporto con gli altri: mi hanno parlato della direzione d’orchestra e mi sono buttato a capofitto in questa nuova via.
Pensavo sarebbe stato un proseguimento del mio percorso, invece è come se fossi tornato bambino: l’orchestra mi sovrastava, e non riuscivo a controllarla, né tanto meno a domarla. Così, come per gli altri strumenti, mi sono serviti quasi dieci anni per riuscire a fare la musica che volevo e che sentivo insieme all’orchestra. E quando finalmente ci sono riuscito, l’effetto è stato dirompente. Nella direzione d’orchestra, contrariamente al pianoforte, quello che conta di più è l’aspetto umano. Il rapporto che si crea tra un direttore e i professori dell’orchestra è come un incantesimo. Se funziona, la musica sgorga e si costruisce rapidamente. Se non funziona – e come nei rapporti umani, sono mille e impercettibili le ragioni per le quali può non funzionare – tutto è vano. Ogni incontro con un’orchestra è la porta aperta verso momenti di un’intensità unica, o verso un disappunto certo. Bisogna saperlo, accettarlo, e gestire entrambe le situazioni».

Nel corso della tua esperienza è scaturita in te un’importante riflessione a riguardo della musica, che ti ha portato a togliere il frac e fondare la Jeans Symphony Orchestra. Cosa ti ha spinto a farlo?
«È nata perché mi sono reso conto di due punti fondamentali. Il primo è che la musica che dirigevo era in grado di colpire con incredibile profondità persone completamente estranee al pubblico della classica. Il secondo è che queste stesse persone si sentivano respinte da tutto il contesto che caratterizza i nostri concerti: le regole, la sufficienza, l’iper-specializzazione, la lunghezza dei tempi, ecc… Iniziando dal frac, ho rimesso in discussione alcuni capisaldi della nostra tradizione per poter comunicare con un pubblico sempre più ampio».

L’inizio è stato facile?
Tutt’altro. All’epoca delle puntate di “Che Tempo Che Fa”, fui molto criticato per queste scelte; la paura era di svilire un’arte secolare rovinando le sue tradizioni. Anche la TV faceva paura: un mezzo identificato con il trash, con il quale un mondo profondamente intellettuale non voleva avere a che fare. Da allora, ho passato il tempo a spiegare che le cose non sono così scontate. Che la musica è molto di più del contesto nel quale viene suonata, che appartiene a tutti e che il nostro compito in quanto interpreti era proprio di portarla a tutti. E che per compiere quest’opera quasi missionaria, dobbiamo accettare a volte di lasciare la nostra “divisa” (intesa come l’insieme delle consuetudini che accompagnano la nostra vita) e lavorare partendo dal mondo al quale ci vogliamo rivolgere. Cosa cerca, e sopratutto come può la musica entrare nel “campo visivo” di un ventenne di oggi? O in quello di un abitante di una casa popolare? O di uno spettatore di Rai3? Queste sono le domande che mi pongo quando elaboro un nuovo progetto del JeansMusic lab».

Musicista, direttore d’orchestra e anche scrittore: sei un’artista eclettico e versatile. Cosa ti ha spinto a sperimentare una forma di espressione così diversa dalla musica quale è la scrittura?
«Io non lo avrei mai immaginato. Sono stati gli editori a propormi di trasformare questo modo di raccontare la musica in libri, e ho accettato la sfida perché mi sono reso conto che poteva rappresentare un “canale” supplementare di comunicazione con il pubblico. Adoperando un linguaggio, quello della parola, più compreso del linguaggio musicale. Scrivere è stato un piacere incredibile».

Beethoven e la ragazza coi capelli blu, edito da Mondadori, è diventato in brevissimo tempo un best seller. Quali corde pensi di aver toccato nel lettore per essere riuscito ad arrivare a così tante persone?
«Best seller mi sembra un’appellativo esagerato! Sembra piacere, e questo mi riempie di gioia. Ecco una piccola storia che ben riassume l’effetto: un giorno una persona mi racconta che entra in camera di sua figlia tredicenne e la scopre sul letto ascoltando musica e leggendo un libro. Il libro era il mio e la musica era Schubert. Le ha detto che avrebbe scritto al nonno che tentava da anni di parlarle di musica classica per dirgli le emozioni che sentiva ascoltando questo compositore. Ecco, questo volevo ottenere: i pochi gesti sul palmare che la guidavano a questo repertorio, la curiosità di ascoltarlo e la libertà di trovare emozioni e sentimenti personali ascoltando. Sembra poco, ma è una rivoluzione».

Non è la prima volta che vieni in città: il tuo prossimo appuntamento sarà l’8 dicembre per il tradizionale Concerto di Natale. Cosa pensi di questa iniziativa e dei suoi riflessi nei piccoli teatri della Romagna?
«Innanzitutto per me tornare a Ravenna è un tuffo indietro negli anni… Pensa la mia prima scrittura da direttore, saran stati 15 o 16 anni fa, l’ho ottenuta proprio qui, e grazie al Maestro Olmi. Dunque ho un legame particolare con questa città. Poi ho subito accettato con enorme piacere la proposta del Maestro, proprio perché questa idea di girare per la provincia con delle prove aperte è straordinaria: una musica aperta verso la società. Vedi, il problema è che noi non vediamo ancora abbastanza la musica come uno strumento di valorizzazione e sviluppo sociale: in realtà permette di trasmettere valori importanti per la società, ascolto, rispetto, collaborazione. Questa è la musica. E a Ravenna questo aspetto emerge fortissimo. Non vedo l’ora…».